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O Discurso do Rei

A realeza monárquica da Inglaterra foi decididamente humanizada. Contudo, não perdeu a elegância, a imponência da solenidade britânica. Nem a fala de George V (“fomos reduzidos a atores”) esvaziou o valor da tradição.

Ao contrário, expor a pessoalidade dos agentes de Buckingham enalteceu magicamente tais homens e mulheres, muito além dos fatos reais mais recentes – menos cinematográficos – dos escândalos de Lady Diana e Príncipe Charles, ou do requintado (e talvez não tão memorável assim) casamento de William.

Tampouco a fria constatação empresarial do Duque de York (na fita, o futuro rei gago, familiarmente chamado de Bertie), seguida da réplica perspicaz do rei, lançou na mortalidade trivial suas figuras, quando o filho declarou ser a família real uma firma, ao que o velho monarca reconheceu que, dado ao clima de insegurança proporcionado pelo apaixonado sucessor, Príncipe David, alguns poderiam perder o emprego. 

Assim é o filme “O Discurso do Rei”, um favor para os trópicos de tentar explicar como e por que membros de uma família - aparentemente ociosa e cara – podem carregar em si a força imagética e o caráter de uma nação.

Não trata teoricamente, mas em imagens e personalidades, e som – ou falta dele -, no espaço entre – guerras de vinte anos, num contexto de transformação mundial e inovações tecnológicas (rádio, avião, medicina e geopolítica).

Eleição não há, pois a coroa é oligárquica, sucessória, hereditária, primogênita e vitalícia. O poder, no entanto, não é absoluto: há a classe política e um estado de direito. Aliás, são os responsáveis por manter a roda girando. Então, para que serviria um rei?

A esta pergunta, que pudesse ter sido feita algumas vezes por brasileirinhos tão “mais ou menos” como eu, o filme respondeu com base na veracidade de acontecimentos, numa proposta interessante: tire a voz do rei e vejamos para o que ele serve.

O filme biográfico é humorado quando o Duque se submete a espetaculosas e estranhas terapias ou gagueja, ou faz meneios para não travar diante dos súditos; é trágico quando a platéia se frustra ou quando o reino ameaça desmoronar ante a possibilidade de renúncia do sucessor, e é tenso quando a segunda grande guerra chama à realidade aqueles tempos sombrios.

No entanto, não é ridículo ver o futuro novo rei se esfalfar num trava-língua ou demonstrar total aflição ante um público ávido de uma palavra oracular.

É o inverso: aliado à aproximação amistosa com o pseudo-doutor Lionel Logue – um súdito de colônia; de par com o envolvimento de um príncipe com uma fogosa plebéia, e da confissão de mazelas psicológicas da infância, “O Discurso do Rei” declarou: para ser rei é preciso ter a capacidade de superar seus próprios problemas, suas dificuldades pessoais, seus traumas mais íntimos, colocá-los atrás e abaixo do ideal de patriotismo, para, só assim, ser a representação encarnada da união, da força e da virtude de um povo.

Tropa de Elite 2

Não possuo experiência técnica e objetiva sobre a arte. Assim, vai quase como provocação essa de falar de cinema!

Aliás, não falo de cinema, mas sim subjetivamente, sobre o filme, como o espectador que resume entre gostei ou não gostei, esforçando-se para dizer: por quê?

O filme forte de José Padilha é audacioso. Contudo não tem apelação ou rudeza.

Forte pela isenção de eufemismos para a prodigalidade da violência do homem; audacioso por igual motivo, só que expandindo o animalismo aos sistemas de organização política das comunidades desfavorecidas, nos quais a questão de polícia é condição sine qua non. É um filme sociológico.

Vai além do primeiro, além de Carandiru e de Cidade de Deus. Mas deste último está bem próximo no cenário e no mote, com a diferença dos estágios de evolução do abandono das comunidades carentes, reféns dos homens, à margem das políticas urbanas e dos mercados de consumo.

Fosse uma sequência única, os dois filmes (Cidade e Tropa) teriam mostrado uma linha do tempo e das instituições: aglomeração, falsas promessa de Estado, abandono, respostas naturais, opressão dos mais fracos, ganância dos poderosos, uso dos aparelhos de Estado para favorecimentos mesquinhos, mortes, desesperança. 

Denunciou a deflagração das milícias, no momento de maior oportunismo de bandidos de fardas, e demonstrou uma estratégia de desmonte do esquema de acobertamento por compadrio - a conivência política da relação ganha-ganha (e sempre alguém tem de perder).

Penso que a contemporaneidade das ações militares federais nas favelas no Rio de Janeiro contra os traficantes, que sucederam às instalações das UPPs – Unidades de Polícia Pacificadora, cuja função, inclusive é, senão de extinguir, pelo menos mitigar as mafiosas forças milicianas – não gerou comoção ou pânico no público, que já está acostumado a ver pela tevê as guerras campais e os intermináveis escândalos do homem público. Ou seja, não trouxe novidade temática.

No entanto, com uma corajosa narrativa dinâmica e cenas de absoluto realismo, radiografou o câncer que a desigualdade social fez nascer: a favela.

Não há romantismo. Há a presa fácil, homens e mulheres vulneráveis, à disposição dos mais fortes.

Um aspecto na história tornou o filme mais doce sem pieguice: o enternecimento do agora Tenente-Coronel Roberto Nascimento. Para surpresa geral, o homem chora!

Não só chora. Nascimento foi capaz de refletir, de se emocionar, de se arrepender, de parecer com gente, mais que uma máquina sanguinolenta e amarga.

O personagem Nascimento se estabelece assim numa espécie de anti-herói. Um guerreiro atual de extremada virilidade e dureza, para quem bandido não tem vez.

Ele erra como qualquer um, e sua rigidez aparente é fruto apenas do exercício contínuo.

Ao ver-se enredado pela voluntariedade do Capitão Matias - outrora um aspirante treinado pelo próprio Nascimento -, o líder indefectível fica de saia justa quando sua tropa é chamada a acompanhar uma rebelião em Bangu I, a primeira prisão para presos de alta periculosidade do Rio de Janeiro, e talvez a primeira do Brasil.

A coragem do filme está desde o início: de cara, denuncia que esse tipo de penitenciária é feito só para bandidos VIPs. Aqueles a quem o sistema protege a integridade física dada a sua importância no esquema de distribuição de subornos.

O Capitão Matias contraria as ordens do Coronel Nascimento e explode a cabeça de um traficante revoltoso na primeira oportunidade, na frente de um intelectual dos direitos humanos. Aí têm início os meandros nauseabundos pelos quais o experiente policial conhecerá as verdadeiras faces e tentáculos do poder.

Wagner Moura é um excelente ator. Com os elementos certos que a direção reuniu o filme não ficou a dever para nenhum enlatado policial ou de ação, nem o ator ficou a dever para Denzel Washington, Bruce Willis ou De Niro.

O filme empolga pela realidade, velocidade e por que não, beleza. Pela sensibilidade, a crueldade da violência não sangra à toa como alguns filmes que vi do Tarantino.

Gostei muito!

Cartas de Iwo Jima

Um filme nipônico de Clint Eastwood, bonita fita de cinema com que nos brindou a televisão (SBT) no final de janeiro de 2011.

Filme japonês no centro da narrativa e nas feições do elenco, cujos figurantes ocidentais o eram pelo acaso da história, tão somente para ressaltar o desastre das más convicções - as que contrariam o amor-próprio e a preservação da vida, revogando-os ou relegando-os a uma somenos virtude questionável.

Iwo Jima é uma ilha do pacífico. Em 1944, na segunda guerra mundial, foi tornada um vulnerável baluarte da soberania imperial japonesa contra o avanço norte-americano, que a pretendia estratégico-militarmente.

Mais que um cenário árido de uma guerra cínica, foi o palco da agonia existencial de homens que oscilaram - a despeito de qualquer certeza que tivéssemos da sua firmeza de propósito -, não entre servir ou não servir ao imperador Hiroito, mas entre viver ou morrer pela devoção nacionalista, em detrimento dos anseios pessoais.

O general Kobayashi e o tenente-coronel Nishi eram respectivamente: um prestigiado militar diplomático em solo americano, a quem se oferecia o regalo dos grandes homens; e um campeão olímpico de hipismo que residiu nos EUA durante algum tempo, entre as personalidades mais emblemáticas do país. A estes, o peso de conhecer o mundo ocidental por dentro fazia recear o suicídio, fosse pela aparente galhardia da raça que negava entregar vivo um só homem sequer; fosse pelo auto-extermínio, suicídio ordenado para que ninguém se entregasse - ou seja: a vida não valia mais que o caráter valoroso e ostensivo dos soldados.

Para eles, porém, havia mais a perder que apenas a guerra.

Ambos transitaram nesse capítulo histórico como os comandantes maiores das tropas rotas, despreparadas e humilhadas por severos oficiais asiáticos, e de alguma forma, representavam a mitigação da disciplina oriental carregada de desprezo pelo indivíduo.

Esse abrandamento era influência da cultura contra a qual agora deveriam combater.

Demonstrações de fragilidade do equilíbrio emocional-cultural do homem japonês foram dadas no filme - um roteiro, aliás, fundado em cartas originais daquelas guarnições, sepultadas - as cartas - numa caverna, por desobediência de um soldado à ordem do próprio General Kobayashi: ele mandara queimar tudo e o subalterno enterrou as missivas - provas documentais das aflições.

Se havia possibilidade de que muitos dentre nós crêssemos na determinação pétrea, no extremismo dos soldados, e por extensão, do homem japonês, o filme nos fez o favor - com muita delicadeza - de humanizá-los ao ponto de termos empatia por sua ansiedade e medo.

Disse-nos assim que a guerra é estúpida também porque convence o homem a expor-se à morte antes mesmo que possa fazer algum juízo de valor sobre a relação entre sua vida e a própria guerra.

Adam – Memórias de Uma Guerra

Adam Stein é um talentoso artista judaico-alemão, um homem charmoso e feliz surpreendido pela brutalidade do nazismo.

A narração entrecortada da sua história pessoal cobre 35 anos, entre 1926 – quando seu universo circense de mágicas, telepatia, música e palhaçadas, em Berlin, nem sequer pressentia a sombria escalada de Hitler; até 1961 – quando nos dá a conhecer suas memórias, e a surreal clínica para doentes mentais semitas do Instituto Seiszling, instalado num deserto de Israel, para tratamento de ex-prisioneiros de campos de concentração nazistas.

Tudo da clínica é fantástico: a clínica e suas preconizadas terapias inovadoras não demonstradas; a conivência dos terapeutas com a excessiva liberdade de Adam; sua relação amorosa com a deliciosa chefa da enfermaria; e os casos-pacientes - especialmente o menino-cachorro que, com prováveis 12 anos destoava do critério inicial, ou seja: se os campos e a guerra acabaram em 1945 e o menino teria nascido em 1949, em tese, não teria sido encarcerado naqueles campos oficiais de flagelo.

Ficção menos improvável é o caráter do homem dentro do personagem Adam; é a dizimação de sua família, o esgotamento de sua lucidez após as mais absurdas humilhações por que passara nas mãos dum comandante do campo, aliás, homem cuja vida foi salva por Adam anos antes, num de seus números telepáticos em que desvendou e dissuadiu do suicídio, o futuro oficial da SS. Em recompensa (“uma vida por outra vida”), Adam devia entretê-lo vivendo literalmente como um cachorro adestrado, compartindo ossos e canil com o cão pastor alemão do comandante. Fez isso por um ano.

Como n’A vida é Bela, este é um filme sobre o holocausto que tentou ousar falar da dimensão do indivíduo, mantendo o devido respeito histórico a esse grave momento tão horrível do homem.

Sem compromisso com coerência narrativa do possível, a produção tripartida (israelense-germânica e estadunidense) é bela e sensível para além de sugerir eventuais doçuras de atitudes, resistência e perseverança de caracteres.

Parece-me transpirar que possa haver “loucuras” aceitáveis, uma síntese positiva de sofrimentos individuais até nas tragédias genocidas, resultados de personalidades e não de raças, esforços de pessoas e não de etnias.

Transpirou mais: que tal “loucura”, assim aceitável, pudesse ser contagiante, para não dizer apaixonante; uma espécie de justificação da admiração que sentimos pelas pessoas que convivem da melhor forma possível com todos os traumas e prejuízos que uma catástrofe pode gerar - como, p.ex., inspiram-nos respeito e admiração os sobreviventes daqueles eventos de crueldade, que ainda dormem, comem, se encontram, mercam e amam.

Por fim, trouxe também o contrário: os traumas incuráveis dos outros pacientes podem dizer-se resíduos indeléveis na alma.

Mas o filme rematou com o final indiferente à infelicidade: Adam voltou para a pensão da amante (mulher que teria tentado matar no início do filme), depois de comprovar a morte da filha fugitiva dos campos, e depois de se cientificar da cura do menino-cachorro – sua esperança íntima e secreta da própria cura.

O GRANDE INQUISIDOR - DE DOSTOIÉVSKI (INQUISITION)

O filme de cinco ou seis capítulos compilados no YouTube, com aproximados 50 minutos totais, é impactante. Ainda mais se o espectador assistir ao documentário visual sobre instrumentos de tortura do tribunal da inquisição - suplemento do filme.

Impactante a ponto de fazer titubear a alma entre o divino e sagrado, e a mera perversão humana na aplicação dos preceitos de fé cristã.

Impactante a ponto mesmo de vir a endossar eventuais apostasias.

A idéia central é: Por que a inquisição?

No contexto desse santo ofício da igreja católica, a todo vapor na Europa, que justificativa poderia ser dada a Jesus Cristo, se sua segunda vinda acontecesse exatamente naquele momento histórico? Como fundamentar tamanha intolerância e crueldade em Seu nome - o Príncipe da Paz e personificação do amor? De que maneira racionalizar a contradição entre a humildade do Filho de Deus e a opulência intolerante, o poder e a brutalidade da santa igreja?

Assim, dramaturgicamente em diálogos (e monólogos) profundos sem efeitos cinematográficos mirabolantes – oportunidade ímpar de demonstração de talentos -, colocados tête-à-tête Nosso Senhor e um cardeal da Espanha de 1680, responsável pelos julgamentos e autos-de-fé, as revelações são confessadas porque não há relativização, não cabem justificativas.

Não acontece qualquer escaramuça natural de um debate que pudesse ensejar meias-palavras e contorcionismos retóricos. Jesus não fala nem reage. A eloqüência de seu silêncio o faz por Ele.

As verdades do cardeal: o cristianismo de Cristo não serve para aplacar o sofrimento dos homens; não cumpre a promessa de liberdade porque o homem não pode ou não quer ser livre; não atende às necessidades básicas e materiais da humanidade: pão e conforto nesta vida, e não na outra.

O cardeal vai adiante: Jesus errou em negar as três propostas de Satanás na tentação do deserto, quais sejam os milagres, o mistério e o poder.

Porém a santa igreja teria compreendido melhor do que Cristo a grandiosidade das tentações, e, portanto teria atraído a si o mistério, sob a égide do cristianismo, dispensando qualquer maior participação de seu fundador. Serviam na realidade ao Diabo, e a volta de Jesus seria desastrosa para a existência da instituição.

Ao final, após o beijo purgatório de Cristo, o Cardeal, dominado pelo remorso, coloca-se em lugar do condenado e caminha para a fogueira santa. 

Meu ponto de vista: um pecado do filme (intencional ou por enfoque diverso) foi colocar a santa inquisição como sendo a própria Igreja, ou como seu emblema absoluto, não tendo ao menos insinuado que não é.

Não, a inquisição não é ícone da igreja, no passado, como, p.ex. a Opus Deis não poderia ser emblema da Igreja, hoje [para quem, desavisado, possa fazer confusão no Código Da Vinci].

Correntes a parte, a igreja Cristã - e a católica, como a primeira e maior instituição cristã de amplitude mundial - era e é formada por inúmeras ordens, correntes, tendências e denominações, embora a hierarquização temporal segundo a qual eventos catastróficos como o tribunal da inquisição foram permitidos.

Foi, sim, um dos capítulos mais tristes e medonhos da história da humanidade perpetrados por grupos sádicos e pervertidos, durante mais de seis séculos, e para o que não há perdão na Terra que possa aliviar seu crime.

Mas não foi a Igreja que a instrumentalizou, muito menos teve o beneplácito de Deus, e nem mesmo foi unanimidade entre os religiosos da época - vide “O Nome da Rosa”, em que beneditinos, a comissão papal e os capuchinhos, se vêm, a contragosto (sobretudo os últimos) candidatos a júri de perfumaria, para a condenação de supostos hereges.

Foi instrumento usado na igreja em face de seu poderio político, a serviço de homens maus e diabólicos.

Contudo, a história não diminui o filme, ao contrário, a simbiose entre conteúdo e forma deu conta da mensagem, perfeitamente.